La muerte de Séneca
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Obras de Luca Giordano
Salomón y la Reina de Saba
en la Bóveda de la Basílica de El Escorial,
1693-94.
Obras de Luca Giordano
Triunfo de los Medici entre las nubes del Monte Olimpo,
fresco en el Palacio Medici Riccardi,
1684-1686.
Obras de Luca Giordano,
La creación del Hombre,
fresco en el Palacio Medici Riccardi en
Florencia
,
1684-1686.
Luca Giordano
LUCA GIORDANO
(1632-1705)
Escuela Napolitana
Biografia:
Luca Giordano (Nápoles, 18 de octubre de 1634 - 12 de enero de 1705). Pintor barroco italiano. En España fue también conocido como Lucas Jordán, por la castellanización del nombre.
(1632-1705)
Escuela Napolitana
Biografia:
Luca Giordano (Nápoles, 18 de octubre de 1634 - 12 de enero de 1705). Pintor barroco italiano. En España fue también conocido como Lucas Jordán, por la castellanización del nombre.
unque hijo de un modesto pintor, Antonio Giordano, la amistad con José de Ribera marcaría su vida. Luca empezó a temprana edad a trabajar con Ribera en su taller napolitano, y debido a la gran influencia del artista español y a los numerosos viajes por Roma, Venecia y otras ciudades, en busca de un mayor conocimiento de las diferentes técnicas de la época, se convierte en uno de los mejores artistas del barroco. Fue ayudante de Pietro da Cortona en Roma profundizando en los aspectos decorativos hacia 1650.
Es singularmente famoso por su rapidísima producción y su versatilidad; efectuará imitaciones «a la manera de» Rafael, Tiziano y Rubens. Su actividad, bastante prolífica, y su velocidad al pintar se reflejan en su apodo «Luca fà presto», palabras que al parecer su padre le decía para apremiarle en su trabajo.
A los veinte años realiza una serie de lienzos para la Basílica de San Pietro Ad Aram (Nápoles) en los que plasma su maestría y también el influjo de Ribera. A partir de esos años, su prestigio crece y recibe encargos de importancia para diversas iglesias italianas e incluso españolas. En Nápoles conoce a Mattia Preti, influyéndose mutuamente y es allí donde pinta su Virgen del baldaquino y es conocido que en 1665 era maestro del gremio de pintores. En 1677 trabajó enMontecassino y posteriormente marcha a Venecia
Giordano adquirió un estilo que fusionaba lo Veneciano y lo Romano. Combina la pompa ornamental de Paolo Veronese con esquemas complejos más vivos "a la gran manera" de Pietro da Cortona. En Venecia pintó frescos en la Basílica de Santa Maria della Salute. Entre 1682-83 pintó varias series de frescos en Florencia, incluyendo la cúpula de la Capilla de los Corsini en la Iglesia de Santa María del Carmine. En la manzana ocupada por el antiguo Palacio Medici pintó el techo de la Biblioteca Riccardiana (La Sabiduría liberada de la Esclavitud de la ignorancia) y el inmenso techo de la galería delPalacio Medici Riccardi. Los frescos incluyen en el centro la celebración hagiográfica prototípica de la familia Medici rodeada por una serie de espacios narrativos entrelazados: figuras alegóricas (Virtudes cardinales, Elementos de la Naturaleza) y episodios mitológicos (Neptuno y Anfítrite, el Rapto de Proserpina, la Procesión triunfal de Baco, la Muerte de Adonis, Ceres y Triptólemo).
El influjo de Ribera se manifiesta en la composición y en la iluminación tenebrista, pero con un empleo del color diferente, llegando incluso a hacer imitaciones por encargo del estilo de Ribera.
Hacia 1670, debido a su actividad incesante en frescos de numerosos monasterios e iglesias y a los numerosos encargos españoles de obras pictóricas, el rey Carlos II le encarga pintar los frescos del Real Monasterio de El Escorial.
En 1692 llega a España, donde permanecerá durante una década. La libertad, inventiva y la técnica de Giordano fueron una de las causas del éxito de los frescos de El Escorial. A esta obra siguieron otras de gran importancia como en El Palacio del Buen Retiro, la Iglesia de Atocha y la sacristía de la Catedral de Toledo, además de numerosas obras en lienzos para la corte y el clero.Aparte de sus frescos en el Monasterio del Escorial, destaca el existente en el Casón del Buen Retiro (c. 1697), uno de los escasos murales que subsisten en Madrid, de los varios que ejecutó. En la Iglesia de San Antonio de los Alemanes de Madrid en la calle De la Puebla también se pueden encontrar frescos suyos. Su presencia mediante pinturas sobre lienzo es por el contrario enorme: más de 40 en el Museo del Prado, como El sueño de Salomón, Rubens pintando una alegoría de la Paz y retratos ecuestres a pequeño formato de Carlos II y su esposa, seguramente modelos previos para ejemplares a gran tamaño que no llegaron a ejecutarse.
Además del cuadro Santiago Apóstol en la Batalla de Clavijo de la Iglesia del Convento de las Comendadoras de Santiago en Madrid, destacan entre otros lugares la colección de pinturas existente en el Convento de Carmelitas de Peñaranda de Bracamonte y la del Monasterio de Guadalupe en Cáceres.
Adquiere gran popularidad en la corte española y se le concede el título de Caballero. Debido a la muerte de Carlos II y a la difícil situación durante la época de Felipe V, decide volver a Nápoles en 1702
Allí y poseedor de una gran fortuna, gastó importantes sumas de dinero en obras de munificiencia y fue particularmente generoso con sus compañeros artistas con problemas económicos.
Pinta la cúpula de la iglesia de Santa Brigida de Nápoles,iglesia del siglo XVII, lo curioso es lo de la cúpula que no pudo superar los 9 metros de altura para no obstruir el fuego artillero de Castel Nuovo. Sin embargo el límpido cielo pintado al fresco en la cúpula por Luca Giordano aprovecha al máximo la perspectiva y crea la sensación de un espacio inmenso.
Alcanza la cima de su celebridad en 1704 pintando la Historia de Judith en el techo de la sacristía de la Cartuja de San Martín de Nápoles.
Una de sus máximas era que el buen pintor es aquel que gusta al público y éste es atraído más por el color que por el diseño.
Luca Giordano falleció en Nápoles en 1705.Su cuerpo permanece en un altar lateral de la Iglesia Santa Brigida. Muere siendo Hermano Lego de los Clérigos Regulares de la Madre de Dios.
A Giordano se le ha criticado por ser un prolífico comerciante de todos los estilos sin ser maestro de ninguno. Se le ha considerado como un proto Tiépolo, reviviendo la gran manera de Cortona en un estilo que brillaría con Tiépolo. También, de la unión de su escuela napolitana con la tradición veneciana, prepararía el camino a Francesco Solimena.
Tras su muerte, fue desacreditado con dureza por artistas y críticos, que le consideraban responsable de la decadencia de la pintura española tras los años esplendorosos de Velázquez y Murillo. El nuevo interés que suscita la época barroca a principios del siglo XX, contribuyé decisivamente a la revalorización del pintor italiano. Hay que reconocer que su producción en España influyó claramente en Miguel Jacinto Meléndez, Antonio Palomino y Goya
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Obras de Ribera
San Andrés, 1632, óleo sobre lienzo, 1,23 x 0,95 m.
Pertenece a una segunda etapa de José de Ribera que dura desde 1625 al 1639, y que se le ha llamado el "período oscuro" de "El Españoleto". Es una gran representacion realista, un estudio anatómico del torso de un cuerpo humano maduro de una gran calidad.
Obras de Ribera
"San Jerónimo" golpeándose con la piedra que lleva en la mano. Seguro que te dice algo su expresión y el violento contraste de la luz que emplea Ribera.
Obras de Ribera
El sueño de Jacob, 1639, óleo sobre lienzo, 1,79 x 2,33 m.
Este es uno de los cuadros más famosos de Ribera en el que nos demuestra la influencia que en él ejeció la escuela veneciana, representada en sus estudios con Ribalta y posteriormente con Caravaggio. Mezcla sabiamente el naturalismo con un ambiente oscuro, casi bicolor, que resalta la figura humana. Jacob aparece dormido en un escenario teatral con una iluminación violenta que ensalza el realismo físico de la figura.
Obras de Ribera
El Patizambo, 1641, óleo sobre lienzo, 1,64 x 0,92 m
La figura del joven mendigo, con todas sus anormalidades físicas, aparece modelada de acuerdo con principios de la aplicación del claroscuro que corresponden a la enseñanza caravaggiesca. Como ha sido representada tomando un punto de vista muy bajo, adopta una monumentalidad similar a la de los retratos reales; la impresión se halla reforzada por el nítido fondo de celaje. Sin duda que la composición responde también al estudio de los pintores italianos del Renacimiento y al conocimiento de la pintura flamenca de la época. Por encima de todo prevalece, no obstante, un sentimiento típicamente hispánico. Esta obra recuerda, a la vez, cuadros de Velázquez y de Zurbarán.
La personalidad del personaje, su condición de mendigo, se halla claramente expresada por la inscripción que aparece en el papel que sostiene en su mano izquierda: “Da mihi elimosinam propter amorem Dei”. No cabe la menor duda de que Ribera, como Caravaggio, se sirvió para este cuadro de un modelo real, extraído del nivel social más desfavorecido de la época. La obra revela, en suma, una impresión de amargura y de desencanto ante la vida que la sitúa en línea, por ejemplo, con la novela picaresca.
Naturalismo tenebrista
Dentro de los parámetros marcados por la Iglesia, el naturalismo caravaggesco va a ser una de las respuestas más inmediatas y concretas a las nuevas necesidades. Caravaggio, uno de los primeros artistas con leyenda negra, establece unos rasgos estilísticos que causaron furor en la Europa contrarreformista del siglo XVII. La pintura de esta Escuela trabaja por norma general en óleo sobre lienzo. Son cuadros de gran formato, con pocas figuras de tamaño casi natural, a veces incluso mayor. Si pensamos que estos lienzos se colgaban a una altura media de metro y medio o dos metros sobre el suelo, el visitante que penetra en la oscuridad de una iglesia quedaba prontamente captado por la imagen enorme que ofrecía el lienzo. La escasez de figuras y espacio implicaba una escena sencilla, con pocos personajes y una acción a lo sumo. El momento escogido tenía que ser, por lo tanto, relevante dentro de la historia bíblica que se narraba. Por ejemplo, en la Judit y Holofernes de Artemisia Gentilleschi sólo se ven tres figuras y la acción es la más descriptiva de la historia: el momento en que la heroína corta la cabeza del jefe asirio. El resto de la historia se resume en detalles: la presencia de la esclava que mira furtiva a un lado, es decir, están en una acción clandestina, protegidas por la discreción de la noche. Judit se aparta con repugnancia de la sangre que brota, es decir, no es una asesina sino alguien que lleva a cabo un deber. Son sólo algunos ejemplos. Además de lo comentado, el hecho de que se denomine Naturalismo se debe a que para acercar la imagen al espectador se practica un arte no idealizado, que no oculta los defectos de los personajes, que escoge a éstos de entre los habitantes de la ciudad, con rostros curtidos, arrugados... De Caravaggio se criticaba que le pintaba la suciedad de los pies a sus santos. El adjetivo "tenebrista" se debe al manejo virtuoso del claroscuro, técnica que ya se conocía pero que se usaba con gran mesura. Consiste en acentuar los contrastes entre zonas iluminadas y zonas en sombra; este efecto había obtenido logros espectaculares en arquitectura, pero Caravaggio fue el primero en utilizar hasta sus últimas consecuencias dicho claroscuro. Así, hay fondos neutros que se pierden en la oscuridad, donde no se intuye ningún espacio, ningún personaje más. Y en contraste, se realzan violentamente rostros, manos, telas, con focos de luz laterales y diagonales, que inciden sobre las superficies aplanando su volumen y creando un ritmo interno de la composición basada en el juego lumínico. Este juego produce un efecto espectacular y fue una de las claves del éxito de dicha Escuela. Los temas, como ya se ha mencionado, son mayoritariamente religiosos, eluden normalmente el paisaje y renuevan el concepto de bodegón, siendo con los caravaggistas cuando aquél comienza su andadura como género independiente. Los principales autores del caravaggismo se centraron en Roma, donde estaba su mayor clientela, pero hubo también un foco vital en Nápoles, donde la tendencia española dominaba gracias a la influencia de Ribera. En Roma, además de los ya mencionados Caravaggio y Artemisia Gentilleschi, destacan por su maestría el padre de Artemisia, Orazio, y como futuros tránsfugas, Guido Reni y el Guercino: ambos se inician en una versión suavizada del tenebrismo y terminan por pasar a las filas de los Carracci, para practicar un idealismo más acorde con la evolución del gusto cortesano. La incidencia del caravaggismo fue internacional. Las escuelas más afortunadas en su adaptación fueron la del Barroco sevillano, loscaravaggistas franceses y los de Utrecht, aunque el estilo en general impregnó toda la producción del XVII y posterior, y aunque los pintores no se incluyeran dentro de una Escuela concreta tenebrista: son los casos deRembrandt o Lievens.
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